Domingo, 11 de agosto
Castillo del Papa Luna, 22.30 h
La Dispersione
Flauto a Napoli?

 La Dispersione

David Antich, flauta solista
José Manuel Navarro, violín
Xavi Carrau, violín
Sergi Gil, violín
Josep Ribes, violín
Enric Llorens, violín
Miguel Ángel López, violín
Leonardo Luckert, violonchelo
J. Perfecto Osca, contrabajo
Ignasi Jordà, clave/órgano positivo
Joan B. Boïls, dirección

Programa

I

Roberto Valentini (1764-ca. 1735)  Concerto II per flauto en Sib M
                    Adagio
                    Allegro
                    Adagio
                    Allegro   

Nicola Matteis (ca. 1650-ca. 1714)  Preludio
                    Ground
                    Aria burlesca con molte bizzarrie

Nicola Fiorenza (ca. 1700-1764)     Concerto per flauto en La m
                    Grave
                    Allegro
                    Largo e staccato
                    Allegro assai

II

Francesco Mancini (1672-1737)      Concerto XVIII per flauto en Fa M
                    Largo
                    Fuga
                    A tempo giusto
                    Allegro

Nicola Matteis                               Fantasia
                    Giga
                    Sarabanda amorosa
                    Diverse bizzarrie sopra la vecchia sarabanda

Francesco Mancini                         Concerto XIX per flauto en Mi m
                    Allegrissimo
                    Larghetto
                    Fuga
                    Moderato
                    Allegro

Notas al programa

La leyenda quiso que Nápoles surgiera en el lugar que la bella sirena Parténope había elegido para dejarse morir. Al hacerlo, esta había encomendado simbólicamente a la ciudad la custodia de su canto. La música era la seña de identidad de los napolitanos, en una tierra que, desde siempre, había sido gobernada por extranjeros. […] La maniera napolitana era tan característica que llegó casi a asimilarse con el estilo italiano. Muchos de los compositores del Barroco la adoptaron, especialmente los que, como Händel o Hasse, habían tenido contacto directo con ella. Entre sus rasgos estilísticos más reconocibles, hay que destacar un cierto uso del modo menor y de sus variantes modales, o el manejo expresivo del acorde conocido como sexta napolitana, y de la cadencia rota, para la cual los italianos acuñaron la expresión di inganno, no exenta de sentido dramático. Las arias de las óperas napolitanas tendrían un influjo determinante en la canción popular moderna, debido al inconfundible lirismo de su melos, dulce y melancólico, sentimental e inmediato.
Durante la primera mitad del siglo XVIII, los principales centros de formación musical en Nápoles eran cuatro conservatorios, los de la Annunziata, Santa Maria di Loreto, Sant’Onofrio y la Pietá dei Turchini. Huérfanos, niños abandonados y jóvenes eunucos vendidos por sus humildes familias, recibían allí clases diarias de canto, contrapunto, acompañamiento al teclado y violín.
Los figlioli musici se exhibían cada semana en los servicios religiosos, y, a veces, en residencias privadas o en la ópera. Además del maestro de capilla, en los Conservatorios había dos maestros principales de instrumento, uno para la cuerda y otro para el viento. Los alumnos más aventajados no tardaban en hacerse cargo de los recién llegados. Muchos de ellos se convertían rápidamente en profesionales capacitados para cualquier actividad musical.
Entre las personalidades musicales vinculadas con Nápoles se encuentran compositores como Provenzale, A. Scarlatti, Pórpora, Mancini, Leo, Vinci, Hasse y Pergolesi, y cantantes como Farinelli y Caffarelli. Pero Nápoles destacó también por sus prestigiosos instrumentistas, como los violinistas Nicola Matteis, Pietro Marchitelli y Giuseppe Avitrano, los violonchelistas Rocco Greco, Francesco Alborea y Salvatore Lanzetti, y los clavecinistas Gaetano Greco y Domenico Zipoli (que llevaría su arte hasta las misiones de Sudamérica), además del genial Domenico Scarlatti. Sin embargo, la música instrumental napolitana sigue siendo todavía poco conocida, al contrario de lo que ha pasado con la de Venecia. […]
Por aquel entonces en Italia, la flauta de pico se solía denominar simplemente flauto. Sabemos además que se estudiaba en los conservatorios de Nápoles, junto con los otros instrumentos de viento. La flauta de pico gozaba de una antigua tradición en Italia. […] Por su agilidad y su precisión para la afinación, era particularmente idónea para improvisar diminuzioni y apreciada en la música de cámara con cuerda.
En esta misma época, la nueva flauta travesera comenzaba su irresistible ascenso, y lo hacía a veces en directa competencia con la antigua flauta de pico, como atestiguan varias obras de Vivaldi y de Telemann destinadas a ambos instrumentos. […]
[…] Los concerti [de Valentino y Mancini] son en realidad una mezcla intencionada de varios géneros, como la sonata (da cámera, da chiesa, a solo o en trío) y la sinfonia da camera, además del típico concierto solista al estilo veneciano, con sus ritornelli orquestales y sus brillantes solos. Esta experimentación formal provoca que, en ocasiones, el solista ceda protagonismo a las partes orquestales, en un diálogo de timbres entre la flauta y la cuerda, mientras que, en otras, lo que prevalece es la textura polifónica y la imitación. Sin desdeñar los típicos efectos de la música teatral, los movimientos lentos privilegian el patético lirismo del aria de ópera.
Junto con Jacques Paisible y J. Chr. Schickhardt, Roberto Valentini (nombre italianizado de Robert Valentine) es unos de los pocos flautistas de pico antiguos que no han sido relegados al anonimato. Procedente de una familia de músicos de Leicester en Inglaterra, empieza su carrera de flautista, oboísta y compositor en la Roma de Corelli. Allí, en los años de 1708 a 1710, conoce a Händel que, con toda probabilidad, le dedica las partes de flauta de algunas de sus cantatas italianas. Valentini se establecería en Nápoles hacia 1715. Sus obras, publicadas con éxito en Londres y Ámsterdam, imitan intencionadamente los modelos de Corelli y Haendel, y presentan ciertas analogías con las de Francesco Mancini. […]
Mancini, que había sido alumno en la Pietá dei Turchini, se habría de convertir en el sucesor de Scarlatti en la dirección del Conservatorio de S. Maria di Loreto. Su estilo, intensamente patético, mezcla armonías densas y expresivas con ingeniosos contrapuntos imitativos, como se aprecia en el segundo movimiento de este concierto, donde parece predominar la búsqueda de contrastes entre diferentes colores instrumentales. Quizá debido a su amistad con Valentini, Mancini conocía ciertamente bien la flauta de pico, como se aprecia en sus magníficas doce Sonatas publicadas en Londres en 1724. […]
Violinista y compositor, Nicola Fiorenza pertenece al periodo de máxima difusión de la música napolitana en Europa, que coincide con la generación de Pergolesi, Vinci y Leo. Su reputación como maestro de cuerda en Loreto se vio enturbiada por la excesiva brusquedad de sus métodos, que le causaron incluso la pérdida del puesto. No obstante, su obra, toda manuscrita, merecería ser examinada más a fondo, sobre todo por su posible contribución al desarrollo de la sinfonía y del concierto. Pese a ser una obra temprana, este concierto muestra un seguro manejo de la forma y un gran dominio de las largas líneas en estilo cantábile de los movimientos lentos. […]
Extraído de Agostino Cirillo © 2012